x DAVID UMEMOTO

[FR] Luminary initie des collaborations dans les domaines du design, de l'architecture, de la mode et de l'art. Cette initiative propose des co-créations ainsi que des partenariats motivés par le désir d'innover et d'exprimer des visions uniques du monde à venir. Au mois d’avril 2021, nous avons débuté un partenariat avec le sculpteur David Umemoto, reconnu pour ses sculptures de béton qui combinent architecture et poésie. Lors d’une visite à son atelier au début de l’été, nous avons profité du moment pour lui poser quelques questions au sujet de ses récentes explorations et sur le futur de sa pratique.

Parlez-moi de vous et de votre parcours professionnel. Comment avez-vous découvert la sculpture/ ou qui vous a introduit à cette pratique? Pourquoi avoir choisi le béton comme médium? Quels ont été les motivations qui vous ont poussé à poursuivre une carrière artistique?
Il débute probablement par ma formation en architecture. J’ai particulièrement apprécié mes années universitaires où l’accent était principalement mis sur l’exploration volumétrique et spatiale. C’est plusieurs années plus tard, lors d’un séjour prolongé en Asie que j’ai découvert la fonderie artisanale de métal. Cette expérience a été marquante, autant techniquement qu’artistiquement. À mon retour au Canada, n’ayant plus accès aux fonderies et voulant poursuivre ce travail de modelage et de moulage, c’est après plusieurs mois de réflexion et un peu par hasard que j’ai commencé à utiliser le béton.

Pouvez-vous me parler de votre pratique artistique actuelle et notamment, de la transition vers de nouveaux moyens de fabrication telle que la découpe au laser?
Depuis plusieurs années, je réfléchis sur des manières de transposer mon travail en béton vers d’autres médiums.  La principale raison étant de pouvoir changer d’échelle et ainsi faciliter la création d’œuvres plus grandes et plus immersives. J’ai donc commencé à expérimenter avec différents matériaux en feuilles minces, comme le papier, le métal, le bois et le plastique. Certains peuvent facilement se travailler à la main mais d’autres nécessitent l’utilisation de moyens mécaniques comme la découpe au laser.

Qu’est que vous appréciez de la découpe au laser et de quelle(s) façon(s) cela a-t-il changé la façon dont vous travaillez? Comment est-ce que le partenariat de production avec OFS vous a-t-il permis de développer votre pratique au courant des derniers mois?
Mon travail, s’inspirant grandement d’une pratique architecturale, suit toujours une trame très précise et est souvent modulaire. De ce fait, la précision que procure la découpe au laser est toute indiquée. Dans tout travail artistique, la recherche et la nécessité de faire des essais/erreurs est essentielle. L’expérience et le souci du détail de OFS ont été des éléments clés à la production de prototypes. Ce partenariat a grandement facilité tout le processus de recherche.

Qu’est-ce que symbolise la série “Ghost Tower” ? 
C’est une série transitoire où pour la première fois je transpose des mois de recherches avec le papier dans une matière nouvelle. C’est aussi la première fois que j’utilise une matière transparente et réflective. Le titre évoque la première impression que j’ai eue en voyant les pièces terminées.

Du béton opaque à l’usage de plastique transparent ou translucide; pouvez-vous me parler des nouvelles matérialités utilisées dans vos œuvres (par exemple, l’usage de l’acrylique)? Qu’est-ce que cette matière évoque pour vous et le futur de votre pratique?
Une des raisons pour laquelle j’apprécie le béton est sa connotation architecturale. Pour moi, l’acrylique est très similaire au verre qui est un autre matériau très associé à l’architecture. Ces deux matériaux sont à la fois totalement opposés dans leur matérialité et complémentaires lorsqu’utilisé conjointement. Les dualités opacité/transparence et plein/vide sont omniprésents en architecture et l’utilisation de l’acrylique ouvre un tout nouvel horizon d’exploration.

Est-ce que les thèmes que vous abordez dans votre pratique ont évolué au fil du temps ou se retrouvent-ils toujours au centre de votre pratique? La transition au niveau des procédés de fabrication de vos œuvres et des matériaux qui les composent ont-ils affecté la perception que vous avez de votre travail?
La continuité des thèmes est l’une des contraintes que je me suis imposé dans cette transition. Le changement de matériaux est drastique et j’aimerais qu’un observateur neutre et extérieur soit capable de voir une parenté entre mes œuvres en béton et mes nouvelles pièces en papier ou en acrylique.

Pouvez-vous me parler des inspirations (actuelles ou passées) qui ont influencé votre pratique? 
Mes principales inspirations proviennent de l’environnement bâti, particulièrement de tout ce qui est en lien avec l’architecture industrielle, mais aussi et autant de l’architecture sacrée. Les paysages rocheux et désertiques sculptés par le temps et l’érosion m’ont aussi toujours grandement inspiré.

Pouvez-vous me parler de vos projets en cours ou prévus pour un futur proche? Comment percevez-vous l'avenir de votre pratique artistique? 
Dans les prochains mois, je prévois poursuivre mon travail d’exploration avec le papier et l’acrylique, mais j’aimerais par la suite pouvoir utiliser tout ce travail de recherche et ce langage totalement différent pour inspirer de nouvelles séries en béton.

[EN] Luminary initiative instigates collaborations in the fields of design, architecture, fashion and art. It proposes co-creation & partnerships motivated by the desire to innovate and express unique visions of the world to come. In April 2021, we started a partnership with sculptor David Umemoto, known for his memorable concrete sculptures that combine architecture and poetry. During a visit to his studio in early summer, we took the opportunity to ask him a few questions about his recent explorations and the future of his practice.

From opaque concrete to the use of transparent or translucent plastics; Can you tell me about the new materialities used in your works (for example, the use of acrylic)? What does this subject mean to you and the future of your practice?
One of the reasons I like concrete is its architectural connotation. For me, acrylic is very similar to glass which is another material closely associated with architecture. These two materials are both opposite in their materiality and complementary when used together. Opacity/transparency and full/empty dualities are ubiquitous in architecture, and the use of acrylic opens up a whole new horizon of explorations.

What does the "Ghost Tower" series symbolize? 
It is a transitional series in which, for the first time, I transpose months of research with paper into new materialities. It is also the first time that I have used transparent and reflective material. The title evokes the first impression I had when I saw the finished pieces.

Have the themes you discuss in your practice evolved or, are they still central to your practice? Has the transition to a new manufacturing process and the use of new materials affected your perception of your work?
The continuity of the themes is one of the constraints that I have imposed on myself in this transition. The change in materials is drastic and, I would like a neutral and outside observer to be able to see a kinship between my concrete works and my new paper or acrylic pieces.

Can you tell me about the inspirations (current or past) that have influenced your practice?
My main inspirations come from the built environments, particularly anything related to industrial architecture, but also (and just as much) from sacred architecture. The rocky and desert landscapes sculpted by time and erosion have also always inspired me greatly.

Can you tell me about your current or upcoming projects for the near future? How do you envision your subsequent artistic practice?
In the next few months, I plan to continue my exploration work with paper and acrylic. Eventually, I would like to use all this research work and this different language to inspire new concrete series.